miércoles, 31 de octubre de 2007
Viendo las listas de lo mejor del año según Stylus, me he vuelto a encontrar con eso que llamaremos el “voto con responsabilidad histórica”. En realidad hay miles de formas de hacer una lista de algo, tantas como criterios, pero suele haber algunas tendencias destacadas. Una podría ser mirar al final de año, los discos y canciones por fechas que has escuchado en Itunes y mirar el número de reproducciones. Eso eres y eso has escuchado. Otra podría ser la extensiva. Uno vive y respira una escena, y la lista está completamente alineada con ella. Es extensiva, interesante y curiosa como criterio, pero al menos en mi caso suelo desconfiar de ellas. Otra es la búsqueda de la trascendencia. Esa es interesante hasta en el fracaso. Otra es la que trata de reflejar las creencias personales de uno, que es donde creo acabará encajando la mía. Y los de “responsabilidad histórica” son aquellos que tratan de reflejar como ha sido la música durante ese ejercicio. Que es muy interesante como ejercicio de reflexión histórica y en ese aspecto tiene un valor indudable, pero como criterio para comprar discos es nefasto. Lo dice alguien que cuando ve su colección de discos en la estantería (de Spiritualized a The Delgados, pasando por Mogwai o Family) piensa en venderla, por ver en cuanto se puede valorar todo aquel tiempo y dinero (que no tenía) desperdiciado. Un ejemplo claro, sería “Arular” de M.I.A., un disco que escuché incesantemente durante tres meses y que después jamás he vuelto ni a escuchar ni sentir la necesidad de escuchar. Pero, representando lo que sucedió ese año, era completamente insustituible. Así que al verlo al final de año en lo alto de todas las listas, pensé que quizás a la mayoría de la gente le podía haber pasado lo mismo, que ahora mismo el disco no sirviera ni para calzar un mueble, y que, por obra y gracia del espíritu democrático, ese disco fuera lo “mejor” del año.
También he recordado, no con cierta pena, que las listas de Stylus y el gusto de uno se mueven por zonas parecidas pero con criterios en ocasiones antagónicos. Es triste, porque se les echara de menos. También me ha servido para tomar cierta perspectiva. Este blog, prácticamente está dedicado a hacer la lista de final de año, mostrar el increíblemente estúpido y complejo proceso que cristaliza en una lista completamente irrelevante que trata de mostrar todas tus vicisitudes internas durante un año y condensar tu experiencia como ser vivo. Obviamente la lista de Stylus, habiéndose realizado en estas fechas, necesariamente tiende a ser incompleta e ignorar algunos lanzamientos grandes (que se lanzan en estas fechas para no tener demasiada distancia crítica con ellos). No importa, ayer, sin recordar que hoy era el último día del magazín digital, hice más o menos el guión de la mía para saber lo que había, donde dudaba, si notaba que faltaban cosas, etc. Así que en la práctica un 70-80 % de esta ya está decidida y el resto es el punto de incertidumbre donde uno se sorprende a si mismo. De hecho es algo que se nota en la lista final. Hay demasiado sentido de ir con prisas y no llegar a tiempo.
No hay duda que una lista que comienza por LCD Soundsystem y termina por PJ Harvey me parece completamente errónea. Pero ese es el quid de mis problemas con este tipo de listas. Kanye West, M.I.A., Radiohead, Arcade Fire, seguramente The National, The Field o Grinderman caen en este saco. El disco de Justice seguramente también, aunque uno admite no haberlo escuchado, no se sabe si debido a todas las críticas positivas o al hecho de que aunque me guste el single no he sentido la necesidad de rascar ni un poquito más. Obviamente me ha gustado que su segundo disco fuera el de Miranda Lambert (que ya ha levantado ampollas en los comentarios). Realmente es uno de los discos que valen la pena este año para el que esto escribe y de los que nunca ha dudado en incluir. Entre aquello en lo que ellos se afirman y yo tengo mis dudas son incluir el disco de The Studio y el de Kathy Diamond. Los dos me parecen muy dignos, en especial el de Kathy Diamond que tiene 12 cortes larguísimos de música entre el mutant disco y el italo disco que no desfallecen ni aburren en todo su recorrido. Lo que sucede es que nunca los escucho. También han sido valientes incluyendo el disco de Devin The Dude, porque también se deja escuchar con una facilidad asombrosa. Y los skits del tío fumado llamando por teléfono a los productores para conseguirle un sonido que es incapaz de expresar son impagables. Ellos no incluyen a The Good, The Bad & The Queen. Yo no incluyo a Panda Bear ni a Battles. En los comentarios citan a Future of the Left como una omisión imperdonable. Habrá que escucharlos.
Respecto a las canciones… De nuevo en desacuerdo, sobre todo porque apenas hay electrónica y ha habido unas cuantas memorable en el mundo del minimal este año. Por ejemplo la que suena. Tengo que saber que es lo que ve la gente en esa canción de 50 Cent. Eligen a Avril Lavigne y eso les honra, porque es difícil imaginar este año sin esa canción. A mi me encanta Avril, pero creo que en esa canción se equivoca. Y tienen toda la razón del mundo incluyendo “Pogo” de Digitalism. Todas las cosas memorables del indie resumidas en tres minutos.
También he recordado, no con cierta pena, que las listas de Stylus y el gusto de uno se mueven por zonas parecidas pero con criterios en ocasiones antagónicos. Es triste, porque se les echara de menos. También me ha servido para tomar cierta perspectiva. Este blog, prácticamente está dedicado a hacer la lista de final de año, mostrar el increíblemente estúpido y complejo proceso que cristaliza en una lista completamente irrelevante que trata de mostrar todas tus vicisitudes internas durante un año y condensar tu experiencia como ser vivo. Obviamente la lista de Stylus, habiéndose realizado en estas fechas, necesariamente tiende a ser incompleta e ignorar algunos lanzamientos grandes (que se lanzan en estas fechas para no tener demasiada distancia crítica con ellos). No importa, ayer, sin recordar que hoy era el último día del magazín digital, hice más o menos el guión de la mía para saber lo que había, donde dudaba, si notaba que faltaban cosas, etc. Así que en la práctica un 70-80 % de esta ya está decidida y el resto es el punto de incertidumbre donde uno se sorprende a si mismo. De hecho es algo que se nota en la lista final. Hay demasiado sentido de ir con prisas y no llegar a tiempo.
No hay duda que una lista que comienza por LCD Soundsystem y termina por PJ Harvey me parece completamente errónea. Pero ese es el quid de mis problemas con este tipo de listas. Kanye West, M.I.A., Radiohead, Arcade Fire, seguramente The National, The Field o Grinderman caen en este saco. El disco de Justice seguramente también, aunque uno admite no haberlo escuchado, no se sabe si debido a todas las críticas positivas o al hecho de que aunque me guste el single no he sentido la necesidad de rascar ni un poquito más. Obviamente me ha gustado que su segundo disco fuera el de Miranda Lambert (que ya ha levantado ampollas en los comentarios). Realmente es uno de los discos que valen la pena este año para el que esto escribe y de los que nunca ha dudado en incluir. Entre aquello en lo que ellos se afirman y yo tengo mis dudas son incluir el disco de The Studio y el de Kathy Diamond. Los dos me parecen muy dignos, en especial el de Kathy Diamond que tiene 12 cortes larguísimos de música entre el mutant disco y el italo disco que no desfallecen ni aburren en todo su recorrido. Lo que sucede es que nunca los escucho. También han sido valientes incluyendo el disco de Devin The Dude, porque también se deja escuchar con una facilidad asombrosa. Y los skits del tío fumado llamando por teléfono a los productores para conseguirle un sonido que es incapaz de expresar son impagables. Ellos no incluyen a The Good, The Bad & The Queen. Yo no incluyo a Panda Bear ni a Battles. En los comentarios citan a Future of the Left como una omisión imperdonable. Habrá que escucharlos.
Respecto a las canciones… De nuevo en desacuerdo, sobre todo porque apenas hay electrónica y ha habido unas cuantas memorable en el mundo del minimal este año. Por ejemplo la que suena. Tengo que saber que es lo que ve la gente en esa canción de 50 Cent. Eligen a Avril Lavigne y eso les honra, porque es difícil imaginar este año sin esa canción. A mi me encanta Avril, pero creo que en esa canción se equivoca. Y tienen toda la razón del mundo incluyendo “Pogo” de Digitalism. Todas las cosas memorables del indie resumidas en tres minutos.
martes, 30 de octubre de 2007
C-ute Single V - Tokaikko Junjyou -
Uploaded by anhh2
Otro grupo del Hello! Project es C-ute. Este es su último single. Ya se que son unas crías, pero ni siquiera es el grupo con menor edad del conglomerado. ¿He mencionado que tienen un equipo de fútbol que además canta (las Ongaku Gatas)? Si nos pusiéramos en rollo Greil Marcus, diríamos que la evolución musical de Morning Musume representa, desde sus inicios melódicos hasta su abigarramiento (o histeria) actual, un reflejo de la sociedad japonesa actual en el sentido en que su trayectoria cubre el proceso en el que el modelo económico en el que se estableció su crecimiento económico (fuertemente asentado en la tradición) después de la Segunda Guerra Mundial, se fue al garete, iniciando la inestabilidad profesional, el desempleo, el inicio de la presencia de sin-techos, los recortes de plantilla, o el colapso de grandes cajas de ahorros. Pero, claro, sería tan grueso, estaría tan poco trabajado que me daría vergüenza (y eso que este blog es bastante lamentable ya de por si). Me gusta ese momento de la canción completamente pushing too hard cuando descubres, que no, eso no era el estribillo. O el hecho de que la chica con rasgos más masculinos tenga el pelo corto y lleve gorra como guiño. (Esta canción hace dos semanas alcanzó el número 3 en las listas de Oricon).
Goto Maki Some Boys Touch Sexy Version
Uploaded by seishin
Oh, vaya. Parece que Maki Goto ha decidido “graduarse” del Hello!Project. O han decidido (su hermano fue arrestado por cometer un robo). Realmente es imposible de explicar que es el Hello!Project, es un universo de cantantes adolescentes japonesas que surgió a partir de Morning Musume y su creador Tsunku, y que abarca una cantidad abrumadora de chicas con carreras en solitario, en grupos más o menos estables, en grupos anuales, etc. Maki era casi una de las miembros originales (empezó con 13 años) y es bastante popular entre los fans. Dicen que continuará cantando y que se mantiene con la misma agencia, pero, bueno, ya veremos… Cuento todo esto porque básicamente he estado obsesionado y viviendo dentro del que creo fue su último single durante los dos últimos meses. Ya se que en la primera escucha parece una atrocidad.
Creo que es bastante triste el hecho de que el video de Youtube donde se ve como Roisin Murphy se estampa la cabeza contra una silla y se rompe el hueso que envuelve uno de sus globos oculares (oh, no se ve tanto, pero ha habido cirugía) tenga más visitas en dos días que el vídeo de su estupendo último single en dos meses.
St. Vincent han hecho un videoclip para su canción “Jesus Saves, I Spend”. No es una mala canción y es representativa de la personalidad sonora del disco, pero uno se pregunta si su función como single y como promoción no le viene un tanto grande. Creo que mi canción favorita del disco sigue siendo “Now, now” que aquí pueden ver en directo. Me encanta el riff de guitarra que sirve para montar la canción, tanto su textura y ejecución como la idea de elegirlo. También el hecho de que cuando tratan de descarrilar la canción, también es algo que está escrito y no es una rutina “improvisada” del grupo, y eso se nota en como encaja dentro de la propia estructura de la canción. De hecho, me he puesto de nuevo el disco para darle escuchas.
Esta mañana he estado escuchando “Theory of Machines” de Ben Frost, que está muy bien, entre lo orquestal y lo industrial, el trabajo (y la exhibición) de horas y horas de post-producción y lo íntimo. Aunque supongo que al final no lo incluiré. Es un gran disco menor y uno donde puedes perder horas, pero sigo pensando que me gustaría perderlas en otro sitio ya que estamos puestos. En cambio no me pasa con el anterior. Otro disco decididamente entretenido pero completamente pasable, es el nuevo de Pluramon, ya saben ese tipo que es un renombrado compositor electrónico y que de vez en cuando se lía la manta a la cabeza y hace discos shoegazer cantados por Julee Cruise. La necesidad de tener que escuchar un disco de shoegazing es lo que no tengo.
Tengo que escuchar aún el “Kasmir” de Onur Ozer, el “Party Music” de Dwizz, el “The Biggest Ragga Dancehall Anthems 2007”, la reedición de la B.S.O. de “Wild Style”, la reedición de “The Christ Tree” de The Tree Community, que parece es la joya mimada de este año para varios medios (una comuna cristiana haciendo psych-folk con toques étnicos, dicen). En realidad creo que me voy a poner a ver una película. No tengo ganas de nada de lo anterior.
lunes, 29 de octubre de 2007
Ya encontré este texto de referencia que llevaba algún tiempo tratando de localizar en algún formato. Ahora, sólo queda leerlo.
Este es el tipo de disco que sabes que te encanta pero que declinas escuchar porque sabes que aparecerá en las listas de Rockdelux. De todas maneras pienso escucharlo aunque odie a ambos cantantes y deleitarme con su producción atmosférica que me recuerda el gran gusto y estilo que tengo como consumidor. Y aun así, el disco está bien.
Evitar usar los siguientes tópicos cuando al fin tenga alguna impresión digna de ser contada sobre el “Underwater Dancehall” de Pinch:
- La producción es muy detallista, profesional y los ritmos tienen una gran variación de dinámica.
- Tratar de poner mejor cualquiera de las dos versiones (vocal e instrumental) arguyendo que uno es un pegote y que el otro es la idea original, o que el otro es un avance que introduce humanidad y esas cosas mientras que los originales están bien pero son más de lo mismo.
- Decir que no emociona a la primera y que hay una gran cantidad de espacio, y una sensación casi de estatismo, de querer pararse el tiempo. Que quizás sea el punto buscado.
- Comentar sobre la imaginería acuática y compararlo con Burial. Hacer lecturas psicoanalíticas de ella. Buscar un disco que incluya alguna de esas dos palabras y que sólo tenga dos en su título y mencionar “Haunted Dancehall”. Desvariar alrededor del “Haunted”.
- Mencionar los discos con los que el drum’n bass se hizo mayor. Quiero decir, se hizo tan mayor.
Robyn - Handle Me
Uploaded by seidrik
La versión 2007 de “Handle Me” de Robyn no había aparecido por aquí. Curioso pensamiento que el disco favorito de los “modernos” sea de hace dos años. Y después leer las furiosas recepciones a los nuevos singles de Sugababes, Madonna (bueno, de esta los leaks) y Kylie Minogue, por su “aburguesamiento” sonoro.
domingo, 28 de octubre de 2007
Hace poco apareció en Youtube este video del increíble chico hauntologico* que ya no mola: Ariel Pink. ¿Llegué a escuchar aquellos discos aparte de aquel tema que duraba doce minutos? Oh, esa es la gran sensación que uno tiene después de fingir ante todo el mundo que “ama la música”.
* ¿No sería más fácil usar el término “fantológico” si es el término que se usa en ciertas traducciones al castellano de Derrida?
La página web de The Wire ha cambiado de manera radical de diseño. Y aparte de los artículos que llevan ya unos cuantos años sirviendo de enganche (y alguno de los que ya son clásicos), hay bastante contenido nuevo en la sección de entrevistas. Oh, y según cuentan los rumores, Burial, o su silueta, serán portada del mes que viene.
Fuck shit up
Esta mañana al levantarme, mi hermano tenía puesta la televisión. Mientras me espabilaba, las frases y los sonidos iban saliendo de esa bruma, resonando como piedras negras en el fondo de un estanque, tomando significado aquello que estaba viendo. Era un concierto acústico de Siwel. Todo ese rollo de hoja promocional del lenguaje del corazón y las emociones, la guitarra y la voz de llorón, como esa fina película que deja la lluvia sobre un coche (donde te mojas el culo o la manga pero poco más), como un agujero negro estético por donde se va cualquier intencionalidad que no sea plegarse a ese estilo. El tipo comentando en la entrevista que odia la idea de cantautor como alguien que expresa vistas políticas. El tipo explicando que el nombre de Siwel venía de no querer llamarse Luis en los conciertos y de un anagrama con Lewis. El querer ser desconocido frente al público. Y para explicar que no es un manierista completo, explica que una de sus canciones está dedicada a su perrita, que no se si se perdió o se murió. Creo que eso es el equivalente de los rockeros que cantan sobre la vida en la carretera y la soledad de las noches en los hoteles. Mi hermano cambia de canal. Gran elección.
sábado, 27 de octubre de 2007
Lección 3. Por ahí comienzan a comentar que el éxito de Soulja Boy (7 semanas encaramado en las listas de Billboard) se debe a todo lo que gira alrededor de la campaña viral de gente haciendo videos donde muestran los pasos del baile o donde muestran su pericia en ello. Quizás sea demasiado comparar, pero gracias a una de las versiones de "High School Musical" y el concurso que hicieron en Disney Channel para coreografías, o el mismo programa de "Mira Quien Baila" que ha tenido un efecto parecido en el baile a lo que programas como "Operación Triunfo" en el mundo del canto (¿desde cuando hay tantos musicales en España?), la idea de bailar una coreografía con una canción y no recordarnos a bailes en chiringuitos, que el baile no es humillante, rebajar el mensaje de la música, o tener un lavado de cerebro bastante intenso, parece más cercana de ser visible en un futuro. Al menos en algunos sitios.
Empieza a aburrirme las ganas de permanecer en la "oscuridad" del muchacho en su tercera entrevista promocional para su segundo disco. Bueno, ahora me queda un cuarto giro (y otro anagrama) para cuando salga la entrevista en The Wire del Thomas Pynchon del dubstep. Francamente, que estúpido ando hecho en estos tiempos recientes.
viernes, 26 de octubre de 2007
Loveless
¿Qué cual era la gilipollez? Esta. Alguien puso en algún sitio el link a una página promocional de la distribuidora donde el disco esta subido en mp3 de forma completa para la escucha de tiendas independientes, pequeñas cadenas o grandes superficies.
jueves, 25 de octubre de 2007
Garabato #4
Una de las consecuencias lógicas de querer escribir una de estas listas de final del año, es que tienes que enfrentarte con la idea de que tu selección responde a una serie de mensajes que quieres comunicar y que estos median y coartan tu visión sobre lo que es aceptable o no en la música. Lo que en la práctica significa que ahora mismo no quiero escribir ni pensar acerca de mis objetivos y que cualquier comentario musical que leo me resulta repugnante en estos momentos. Supongo que esta noche escucharé algo de dubstep y trataré de escribir algo al respecto. La tarde la dedicaré a escuchar una mezcla entre el recopilatorio de todos los singles que se acaba de publicar de Morning Musume y algún disco de Helmut Lachenmann.
Estimado lector, si quiere parecer cool y que realmente sabe algo de cada palo, incluso escuchando música clásica contemporánea, deje de mencionar de una vez a Stockhausen o a Steve Reich, y pronuncie este nombre. Ni se imaginan lo infinitamente modernos y comprometidos que parecerán ante sus compañeros de conversación.
miércoles, 24 de octubre de 2007
The Wire acaba de iniciar su publicación en formato digital (mediante suscripción). Resulta notablemente más barata de este modo (unas 29 libras) que las 55 o así que costaría una para Europa continental. Claro, no tienes el fetichismo del papel, ni los CDs gratuitos, y si se te casca el ordenador o no lo tienes a mano, no podrás consultarlos, pero bueno, no me parece una mala idea aunque ahora mismo esté económicamente arruinado. En cualquier caso, hay un número de prueba que se puede consultar de forma gratuita que es el de mayo de este año. Tenía tantas ganas de leer estos dos artículos que de hecho, aún no lo he leído:
Otra revista que tiene una gran reputación y autoridad, o al menos eso es lo que ha leído uno, es Wax Poetics, que es como si Mojo se dedicara a hablar de música soul, funk, jazz, reggae, etc. O sea, puro crate digging. Quizás ese sea el mayor problema que tenga con ella (esa obsesión por localizar las referencias más ocultas, sorprendentes o deseadas y que finalmente resultan ser poco más que escuchas anecdóticas (aún recuerdo la reputación que tenía aquel disco que mezclaba las orquestaciones soul tipo Philadelpia con los grupos vocales reggae de los 60 y 70)). De hecho, hasta piensan hacer una edición de uno de los singles de vinilo por los que se pagan precios por encima de los 5000 $. A pesar de todo lo anteriormente dicho, no me molesta en absoluto que se hable de forma informada y detallista de ciertos artistas que no suelen ser considerados de la forma que se merecen por su aportación al mundo del pop. Ciertos artículos son tan de referencia que ya empiezan a aparecer en las bibliografías de libros universitarios sobre música popular. Quizás cuando tenga más (algún) dinero me compre la pijada de libro que han sacado con lo más florido de sus cinco primeros números.
Es noticia en el mundo anglosajón la muerte de cierto gorrino. Uno conocía pajaritos, mulas y ranitas, pero no cerditos. El cerdito era sólo para invitados y según dicen los afectados era la mejor web sobre, por y para la música que existía en la red, con un fondo de librería inaudito e inacabable en cualquier género y, motivo de su muerte, el lugar donde antes se filtraban todos los discos que aún no se habían publicado. Francamente me da igual. Nunca me hubieran invitado. Nunca sería parte del grupo. Si los rumores son ciertos, cientos de blogs de mp3s super-cool comenzarán a cojear en 3, 2…
Garabato #3
Creo que he escuchado cuatro discos de country en todo el año (si el grandes éxitos de Faith Hill cuenta como tal). El segundo disco de Carrie Underwood, mantiene todas las constantes formales que la convirtieron en la mayor estrella (a nivel de ventas) que ha generado American Idol y una de las apuestas seguras de la industria musical del country (en realidad de la industria norteamericana a secas): baladas que crecen hasta alcanzar un medio tiempo y estallar en un climax donde su voz suba y suba, como una emoción que estalla de forma tan intensa que hace desaparecer todo el mundo a tu alrededor y en los que se mueve con una facilidad y un aplomo en verdad admirables.
Los otros temas suelen ser medios tiempos, más acústicos o más animados, donde también suele dar el tipo. El disco no cojea como escucha. Los temas se alternan y no da la sensación de que el disco se ha estancado o le ha dado una pájara de la que no se recuperará. Supongo que este disco significará mucho para mucha gente durante mucho tiempo, y sus canciones servirán como abrigo, como bálsamo, como refuerzo de creencias y sentimientos o como una manera de evadirse, y eso es algo que entiendo y respeto aunque seguramente no les acompañaré en ese tránsito. El porqué de esto desde luego es una pregunta interesante de hacer. Quizás espere un disco de baladas donde cada canción sea un amanecer nuclear, una nueva meseta cubierta de ceniza en la que uno transitar sin fin. Pero como argumento es una completa estupidez. Es lo que hay, no lo que quiero. Además ese disco que he descrito seguramente existe y ya lo has escuchado este mismo año (Ulver “Shadows of the Sun”), aunque claro, no es country. Quizás debería buscar discos de Buck Owens o de Charlie Rich. Y sigo sin saber el motivo de porque no lo incluiré, porque me encantan esas baladas. Aunque sean durante un ratito.
“Inside Out” de Emmy Rossum, es uno de esos discos que sufren un bajón del que no se recuperan. El disco se maneja bastante bien, dibujando un mundo de emociones, que he caído esta mañana, reflejan cierta, no ingenuidad, pero cierta visión idealizada de las emociones y las relaciones que uno tiene durante la adolescencia. Después llega “The Great Divide” con cerca de 6 minutos, enlaza con “Lullaby”, la canción más floja del EP de adelanto y no se si el siguiente, o el que venía después, muestra un escorarse hacia ciertas bases inspiradas en el trip-hop que se usaron mucho en artistas mainstream hace cerca de una década, lo que deja el disco bastante desdibujado y básicamente acabé quitándolo. Le daré más oportunidades, pero en lo básico me recuerda a otro disco que andaba por derroteros próximos, el segundo de Siobhan Donaghy, que también tenía un tramo intermedio letal y desdibujaba los hallazgos de sus mejores canciones.
También he escuchado el “A Night in the Tilehouse” de Matías Aguayo, que quizás sea uno de los EPs de música electrónica del año. Pero la verdad me cuesta horrores escribir sobre música electrónica (bueno, algo que no me de vergüenza o me haga reírme de lo ridículo que suena) y lo tenía puesto mientras estaba haciendo otras cosas. También he escuchado la mitad de “Galore” de Human Feel, un grupo que se mueve entre las estructuras del jazz y el rock y que puede ser una escucha muy disfrutable de forma continuada, pero que en mis “aspiraciones” no dice nada de nada. Seguramente porque no escucho jazz de forma continuada.
Los otros temas suelen ser medios tiempos, más acústicos o más animados, donde también suele dar el tipo. El disco no cojea como escucha. Los temas se alternan y no da la sensación de que el disco se ha estancado o le ha dado una pájara de la que no se recuperará. Supongo que este disco significará mucho para mucha gente durante mucho tiempo, y sus canciones servirán como abrigo, como bálsamo, como refuerzo de creencias y sentimientos o como una manera de evadirse, y eso es algo que entiendo y respeto aunque seguramente no les acompañaré en ese tránsito. El porqué de esto desde luego es una pregunta interesante de hacer. Quizás espere un disco de baladas donde cada canción sea un amanecer nuclear, una nueva meseta cubierta de ceniza en la que uno transitar sin fin. Pero como argumento es una completa estupidez. Es lo que hay, no lo que quiero. Además ese disco que he descrito seguramente existe y ya lo has escuchado este mismo año (Ulver “Shadows of the Sun”), aunque claro, no es country. Quizás debería buscar discos de Buck Owens o de Charlie Rich. Y sigo sin saber el motivo de porque no lo incluiré, porque me encantan esas baladas. Aunque sean durante un ratito.
“Inside Out” de Emmy Rossum, es uno de esos discos que sufren un bajón del que no se recuperan. El disco se maneja bastante bien, dibujando un mundo de emociones, que he caído esta mañana, reflejan cierta, no ingenuidad, pero cierta visión idealizada de las emociones y las relaciones que uno tiene durante la adolescencia. Después llega “The Great Divide” con cerca de 6 minutos, enlaza con “Lullaby”, la canción más floja del EP de adelanto y no se si el siguiente, o el que venía después, muestra un escorarse hacia ciertas bases inspiradas en el trip-hop que se usaron mucho en artistas mainstream hace cerca de una década, lo que deja el disco bastante desdibujado y básicamente acabé quitándolo. Le daré más oportunidades, pero en lo básico me recuerda a otro disco que andaba por derroteros próximos, el segundo de Siobhan Donaghy, que también tenía un tramo intermedio letal y desdibujaba los hallazgos de sus mejores canciones.
También he escuchado el “A Night in the Tilehouse” de Matías Aguayo, que quizás sea uno de los EPs de música electrónica del año. Pero la verdad me cuesta horrores escribir sobre música electrónica (bueno, algo que no me de vergüenza o me haga reírme de lo ridículo que suena) y lo tenía puesto mientras estaba haciendo otras cosas. También he escuchado la mitad de “Galore” de Human Feel, un grupo que se mueve entre las estructuras del jazz y el rock y que puede ser una escucha muy disfrutable de forma continuada, pero que en mis “aspiraciones” no dice nada de nada. Seguramente porque no escucho jazz de forma continuada.
Garabato #2
Esta mañana he estado escuchando el nuevo de Skye Sweetnam “Sound Soldier” y está bien, pero de este no me haré una idea hasta no haberlo escuchado un montón de veces. La lista de reediciones de reggae/dancehall la he reducido (que es lo que vamos a estar haciendo de aquí a mediados de diciembre) a 4(5) discos más:
Dennis Brown “Visions”
Keith Hudson “Brand”/ “Nuh Skin Up”
I-Roy “Gussie presents I-Roy”
Lee Perry & The Upsetters “Super Ape vs. Return of the Super Ape”
Dennis Alcapone “Forever Version”
Supongo que no es novedad, pero la cantidad de discos reeditados este año da mareo. Entre la caja de Mute Records, el cuádruple CD de Ghedalia Tzartes, “Big Science” de Laurie Anderson, las reediciones de Pere Ubu, las de Sly Stone, las de Betty Davis, las obras completas de Young Marble Giants, la reedición de Chrome, John Foxx, el recopilatorio de singles de Vashti Bunyan, etc. Supongo que de la reedición en cuatro formatos distintos de “The Joshua Tree” puedo pasar (aunque a lo tonto se puede convertir en el disco más vendido de la historia). Y el de Seefeel, que se me había olvidado por completo. Ups. Oh, y aquella reedición del grupo donde estaba Arthur Russell. Doble ups.
Quizás escuche el nuevo de William Parker y el de Human Feel. O el nuevo de Carrie Underwood. O de verdad escuchar el de Roysin Murphy. Business as usual.
Dennis Brown “Visions”
Keith Hudson “Brand”/ “Nuh Skin Up”
I-Roy “Gussie presents I-Roy”
Lee Perry & The Upsetters “Super Ape vs. Return of the Super Ape”
Dennis Alcapone “Forever Version”
Supongo que no es novedad, pero la cantidad de discos reeditados este año da mareo. Entre la caja de Mute Records, el cuádruple CD de Ghedalia Tzartes, “Big Science” de Laurie Anderson, las reediciones de Pere Ubu, las de Sly Stone, las de Betty Davis, las obras completas de Young Marble Giants, la reedición de Chrome, John Foxx, el recopilatorio de singles de Vashti Bunyan, etc. Supongo que de la reedición en cuatro formatos distintos de “The Joshua Tree” puedo pasar (aunque a lo tonto se puede convertir en el disco más vendido de la historia). Y el de Seefeel, que se me había olvidado por completo. Ups. Oh, y aquella reedición del grupo donde estaba Arthur Russell. Doble ups.
Quizás escuche el nuevo de William Parker y el de Human Feel. O el nuevo de Carrie Underwood. O de verdad escuchar el de Roysin Murphy. Business as usual.
martes, 23 de octubre de 2007
Garabato #1
No se si me gusta la idea de hacer una crítica de cada disco que escucho. Así que vamos a publicar monos o garabatos donde se describa todo el proceso y se vean los métodos fascistoides por los que un disco es tomado en consideración o no, o en que mentiras me baso para hacerme ilusiones, o simplemente como voy organizándome. Yu-ju.
El primer día de escuchas ha sido un desastre. No se si reírme o no, sobre como he conseguido que un disco sea capaz de afectarme de forma real, de forma física y palpable y no por la asociación de ideas que tenga con sus formas musicales y mi pasado como oyente. El disco es la colaboración entre los músicos Toshimaru Nakamura y Lucio Capece llamado “ij”. Son dos largas improvisaciones (20 y 30 minutos) donde dialogan la mesa de mezclas de Nakamura y los instrumentos de viento de Capece. Nakamura toca la mesa de mezclas, porque no hay ningún instrumento ni fuente sonora conectada a ella, así que en la práctica lo que hace es enviar un canal a otro y amplificarlo hasta obtener feedback del duro. Capece tiene sus instrumentos modificados. Los instrumentos de viento consisten en una columna de aire que es modificada por orificios y ranuras hasta que estos emiten notas. Las modificaciones consisten en meter, digámoslo técnicamente, “cosas” dentro y a ver como suena cuando se te ocurra tocar alguna nota.
Lo que sucede entonces durante todo el disco es que se forman dos superficies horizontales de frecuencias: las muy agudas de uno (a perros y gatos este disco les tiene que encantar) y las graves del otro, a veces conectadas por una subida en la escala del segundo. Silencio, susurros, chasquidos, pitidos, ronquidos, crujidos y alaridos, en un diálogo que sucede a un volumen bajísimo, y la mayoría de las veces de forma sutilísima. Quiero decir que este disco me ha dado un dolor de cabeza increíble. Sentir la potencia de las frecuencias del feedback resonando en tus fosas nasales, en tus ojos, en la musculatura de la cara y dentro del cráneo, es una experiencia muy divertida. Normalmente (ya hice alguna prueba de feedback dentro de un programa de mezclas), te suele dejar KO el resto del día y sintiendo como si tu cerebro fuera una cebolla a la que se le separan las capas. Y también quiero decir que creo que me he enamorado de este disco. Se preguntaran como es que quiero seguir escuchando esto, y la razón (al menos una) es precisamente esa. Que me hace preguntarme que es lo que espero de la música y del arte en general, cuales son sus límites, cual es el rango de los temas que puede tratar y cuales son mis implicaciones como oyente durante la escucha. Esto es música que quiere llegar al extremo, a un callejón sin salida y no se conforma con ser una muestra de “poder”, “intensidad” y “energía” como último fin. Acabo de acordarme que Sasha Grey en su última entrada en su blog estaba escuchando “Music for Bondage Perfomance” de Merzbow. Sería divertido que reflejara sus opiniones desde “el otro lado”.
Antes de dejarme el cerebro como una patata, escuche a medias los discos de Britney Spears, Ray Davies y Emily King. Sensaciones a esta hora de la tarde:
El “Working Man’s Café” de Ray Davies suena maduro, con una producción muy clara pero muy acomodada, ningún sonido que pueda pensar uno suene agresivo o arriesgado, y todas esas cosas que se dicen en estos casos, pero las formas de artesano, la manera de desarrollar una canción y que no parezca un ensamblaje de influencias, las historias contadas (aunque seguramente me aburrirán a corto plazo), etc. que lo hacen muy, muy agradable a la primera escucha. Tanto que me dio por pensar en el efecto “In Rainbows” de Radiohead (este es un disco que se regalaba con un periódico de tirada nacional en el Reino Unido), y habrá que ver como se mantienen con las repetidas escuchas. No muy bien por ahora.
“Blackout” de Britney Spears en la primera escucha parece consistente y con un diseño de sonido muy definido gracias a que la mayoría de los temas están producidos por Nate “Danja” Hills. El sonar homogéneo, no es precisamente lo que uno espera en un disco comercial donde trabajan ni se saben cuantos escritores y productores y en este caso creo que es una virtud (y una estrategia de mercadotecnia). Si han escuchado el single de adelanto, todas las direcciones y desvíos por los que se aventura están enunciados allí (las texturas de los sintes, el tipo de ritmos, las subidas y bajadas de intensidad, los juegos con las capas de voces y los procesados sobre esta y las letras sobre su persona pública y su sexualidad) y si no les gusta (a mi me pirra), seguramente lo odiarán de principio a final. Supongo que un rato de estos me pongo a escuchar cada canción en loop para ver como se mantiene e irlas conociendo para saber donde funcionan y cojean.
El disco de Emily King sonaba muy soul-funk, pero muy comercial, apenas con dejes retro, pero supongo que algún problema tendría cuando lo quite por la cuarta canción.
Pensaba ponerme al día escuchando las reediciones de reggae y dancehall de este año. Al menos tengo cinco para ponerme ahora: Culture “Two Sevens Clash”, Anthony Johnson “Gunshot”, Native “Rockstone”, Captain Sinbad “The Seven Voyages of Captain Sinbad” y “Summer Records Anthology 1974-1988”. Y seguramente se quedaran condensadas en el primero, que es el “clásico”. Pero estas son más o menos las recientes, así que debería investigar un poco (por ejemplo, a principio de año hubo dos reedicones de Keith Hudson). Tengo que hacer una lista de discos recientes de black metal y una con los discos de jazz que me puedan interesar (y esta ya es demasiado larga).
El primer día de escuchas ha sido un desastre. No se si reírme o no, sobre como he conseguido que un disco sea capaz de afectarme de forma real, de forma física y palpable y no por la asociación de ideas que tenga con sus formas musicales y mi pasado como oyente. El disco es la colaboración entre los músicos Toshimaru Nakamura y Lucio Capece llamado “ij”. Son dos largas improvisaciones (20 y 30 minutos) donde dialogan la mesa de mezclas de Nakamura y los instrumentos de viento de Capece. Nakamura toca la mesa de mezclas, porque no hay ningún instrumento ni fuente sonora conectada a ella, así que en la práctica lo que hace es enviar un canal a otro y amplificarlo hasta obtener feedback del duro. Capece tiene sus instrumentos modificados. Los instrumentos de viento consisten en una columna de aire que es modificada por orificios y ranuras hasta que estos emiten notas. Las modificaciones consisten en meter, digámoslo técnicamente, “cosas” dentro y a ver como suena cuando se te ocurra tocar alguna nota.
Lo que sucede entonces durante todo el disco es que se forman dos superficies horizontales de frecuencias: las muy agudas de uno (a perros y gatos este disco les tiene que encantar) y las graves del otro, a veces conectadas por una subida en la escala del segundo. Silencio, susurros, chasquidos, pitidos, ronquidos, crujidos y alaridos, en un diálogo que sucede a un volumen bajísimo, y la mayoría de las veces de forma sutilísima. Quiero decir que este disco me ha dado un dolor de cabeza increíble. Sentir la potencia de las frecuencias del feedback resonando en tus fosas nasales, en tus ojos, en la musculatura de la cara y dentro del cráneo, es una experiencia muy divertida. Normalmente (ya hice alguna prueba de feedback dentro de un programa de mezclas), te suele dejar KO el resto del día y sintiendo como si tu cerebro fuera una cebolla a la que se le separan las capas. Y también quiero decir que creo que me he enamorado de este disco. Se preguntaran como es que quiero seguir escuchando esto, y la razón (al menos una) es precisamente esa. Que me hace preguntarme que es lo que espero de la música y del arte en general, cuales son sus límites, cual es el rango de los temas que puede tratar y cuales son mis implicaciones como oyente durante la escucha. Esto es música que quiere llegar al extremo, a un callejón sin salida y no se conforma con ser una muestra de “poder”, “intensidad” y “energía” como último fin. Acabo de acordarme que Sasha Grey en su última entrada en su blog estaba escuchando “Music for Bondage Perfomance” de Merzbow. Sería divertido que reflejara sus opiniones desde “el otro lado”.
Antes de dejarme el cerebro como una patata, escuche a medias los discos de Britney Spears, Ray Davies y Emily King. Sensaciones a esta hora de la tarde:
El “Working Man’s Café” de Ray Davies suena maduro, con una producción muy clara pero muy acomodada, ningún sonido que pueda pensar uno suene agresivo o arriesgado, y todas esas cosas que se dicen en estos casos, pero las formas de artesano, la manera de desarrollar una canción y que no parezca un ensamblaje de influencias, las historias contadas (aunque seguramente me aburrirán a corto plazo), etc. que lo hacen muy, muy agradable a la primera escucha. Tanto que me dio por pensar en el efecto “In Rainbows” de Radiohead (este es un disco que se regalaba con un periódico de tirada nacional en el Reino Unido), y habrá que ver como se mantienen con las repetidas escuchas. No muy bien por ahora.
“Blackout” de Britney Spears en la primera escucha parece consistente y con un diseño de sonido muy definido gracias a que la mayoría de los temas están producidos por Nate “Danja” Hills. El sonar homogéneo, no es precisamente lo que uno espera en un disco comercial donde trabajan ni se saben cuantos escritores y productores y en este caso creo que es una virtud (y una estrategia de mercadotecnia). Si han escuchado el single de adelanto, todas las direcciones y desvíos por los que se aventura están enunciados allí (las texturas de los sintes, el tipo de ritmos, las subidas y bajadas de intensidad, los juegos con las capas de voces y los procesados sobre esta y las letras sobre su persona pública y su sexualidad) y si no les gusta (a mi me pirra), seguramente lo odiarán de principio a final. Supongo que un rato de estos me pongo a escuchar cada canción en loop para ver como se mantiene e irlas conociendo para saber donde funcionan y cojean.
El disco de Emily King sonaba muy soul-funk, pero muy comercial, apenas con dejes retro, pero supongo que algún problema tendría cuando lo quite por la cuarta canción.
Pensaba ponerme al día escuchando las reediciones de reggae y dancehall de este año. Al menos tengo cinco para ponerme ahora: Culture “Two Sevens Clash”, Anthony Johnson “Gunshot”, Native “Rockstone”, Captain Sinbad “The Seven Voyages of Captain Sinbad” y “Summer Records Anthology 1974-1988”. Y seguramente se quedaran condensadas en el primero, que es el “clásico”. Pero estas son más o menos las recientes, así que debería investigar un poco (por ejemplo, a principio de año hubo dos reedicones de Keith Hudson). Tengo que hacer una lista de discos recientes de black metal y una con los discos de jazz que me puedan interesar (y esta ya es demasiado larga).
Rock’n Roll
Gracias a Andrés Calamaro y este artículo,recuerdo porque paso de entender la música como un medio para transmitir mensajes llenos de contenido a través de las palabras. La clase de galimatías poéticos con la que fue interpretada esta canción.
Yellow Swans “At All Ends”
Yellow Swans han publicado un sinfín de discos durante su carrera moviéndose en una estética entre psicodélica e industrial. Este es su disco en el que se acercan al formato de canción y el mundo del pop. Las texturas y los efectos están cuidadísimos y algunos son tan “in the face” que asustan, pero lo que me aburre del disco es su narrativa. Fuera del terreno del viaje o de la intensidad pura y dura, lo que queda es una especie de épica emocional en la que parecen estallar y nacer galaxias en el tiempo que parpadea un ojo. Es algo que a mi en particular no me gusta demasiado, pero que además tiene un efecto contraproducente y es que pone límites a la intensidad y brutalidad que el sonido, sus formas podrían llegar a alcanzar, que es seguramente, no soy ningún experto en el grupo, una de las virtudes de esta gente. Y seguramente del otro modo tampoco me gustarían por falta de concreción. Sin embargo un disco muy recomendable si no les molesta ese tipo de cosas.
Still Going “Still Going Theme”
Esta canción es pegadiza (la producción de ese piano), es fácil, se deja querer y es más o menos memorable. Seguramente uno se la encontrará en no se cuantos resúmenes de programas deportivos o en cuñas publicitarias. Quizás me moleste ese futurible carácter funcional y por eso no le presto más atención, o porque después uno no vuelve a escuchar estos lanzamientos del sello DFA.
Tony Allen “Kilode (Carl Craig Mix)”
Desde el año pasado, casi cualquiera aficionado a la música de baile electrónica al escuchar las palabras “Carl Craig” y “remix” se pone a salibar y a bailar de forma casi inconsciente. Normalmente no suelen cumplirse esas expectativas. Este remix me pareció mucho mejor cuando escuché el original del que fuera batería de Fela Kuti y escucha la estructura clásica del afro-beat, con sus guitarras y habituales estrategias en la percusión. Lo que pasa es que por ejemplo con su remezcla de “In The Trees” de Faze Action este mismo año, no tuve ninguna necesidad de escuchar el original. Aun así supongo que es cuestión de dejar que crezca con las escuchas y que “chan-chan---chan” de los sintes no se te vaya de la cabeza.
Miles Davis The Complete On the Corner Sessions
Este es el recopilatorio/reedición del año. Tan sencillo como eso. No hace falta escucharlo para saber, que si estuvieras haciéndolo, no volverías a escuchar ninguna música más en mucho, mucho, tiempo.
lunes, 22 de octubre de 2007
Noviembre ya se puede sentir en las yemas de los dedos, y eso significa, que el tiempo para ser un hipster y hacer la lista de lo mejor del año más cool y excéntrica se nos acaba. Por lo tanto llega ese momento del año en el que uno se dedica a buscar como loco todo lo que no ha escuchado o no ha tenido el coraje de buscar en los 10 meses anteriores y escucharlo de una tacada, todos seguidos, haciendo pequeños apuntes que serán la única reflexión sobre el único contacto que he tenido con esa grabación, y saltando de romance en romance a velocidad de vértigo. Tengo que buscar casi todo en el terreno del drone, algunas cosas en EAI, casi todo en jazz contemporáneo, escuchar temas, temas y temas de música electrónica (y algunos discos que van a caer para terminar el año), country, metal, etc. Oh, que ilusión. (Seguramente ese inestable estado de ánimo + ponerme a terminar con una carga del pasado se reflejará en este blog).
La discográfica ESP está planeando volver a la actualidad publicando nuevas grabaciones del free jazz que les hizo tener un nombre. Una de las muestras de su actual vitalidad es la creación de su propio canal de Youtube donde mostraran grabaciones, conciertos y material de archivo. En teoría un video nuevo cada semana. Dejémoslo en cuatro en dos meses. Este documental sobre Sun Ra, si se hubieran molestado en subir el volumen, es fantástico, y seguramente lo mejor del lote.
En realidad tampoco sorprende mucho esta dejación. Casi todo el fondo de archivo del sello se debe a que el director compraba casi cualquier cosa que grabaran una escena jazz muy inquieta, llena de talento (de Bill Dixon a Carla Bley), y sin un centavo en los bolsillos. Paul Bley recordaba una anécdota de cómo el director los llamó en medio de una grabación y mientras hablaba con Bley, esta sonaba de fondo. El tipo dijo que se la compraba ahora mismo y Bley (que no se la vendió) le pregunto que si de verdad estaba comprando una grabación por teléfono.
En realidad tampoco sorprende mucho esta dejación. Casi todo el fondo de archivo del sello se debe a que el director compraba casi cualquier cosa que grabaran una escena jazz muy inquieta, llena de talento (de Bill Dixon a Carla Bley), y sin un centavo en los bolsillos. Paul Bley recordaba una anécdota de cómo el director los llamó en medio de una grabación y mientras hablaba con Bley, esta sonaba de fondo. El tipo dijo que se la compraba ahora mismo y Bley (que no se la vendió) le pregunto que si de verdad estaba comprando una grabación por teléfono.
domingo, 21 de octubre de 2007
Grime, grime more
Cuando uno compra un recopilatorio lo que uno compra es una perspectiva. El estado ideal de uno con respecto a una escena sería aquel en el que se conociera los grupos, los artistas, tanto estética como personalmente, los repertorios y como estos crecen o se extinguen en los conciertos. Como estos van apareciendo en maquetas, dubplates, singles y discos. Comprar todos los discos, escuchar los programas de radio, las distintas apariciones en televisión, los cotilleos, los rumores, las improvisaciones. Y a partir de esa amplia prueba documental fundamentar la reflexión, la opinión y la interpretación de uno. Ese estado “natural” se parece a las asíntotas en matemáticas. Hay infinitos puntos cada vez más cercanos al valor deseado, pero ese valor nunca es alcanzable por la función.
La idea de la emisora pirata Rinse FM, de iniciar una serie de discos, mezclados o no, de carácter mensual seleccionados por la DJs de la emisora (o no), plantea una serie de cuestiones cuando menos interesantes. La primera es por su viabilidad comercial. Uno ha de imaginar que haciéndose con la serie, en un año tendrá 12 compacts, en dos 24, etc. con el gasto económico que plantea. Esa misma periodicidad se convierte en homogeneizadora. Podrían poner un adhesivo en el que uno pudiera leer: “Este recopilatorio no es especial”. No hay sensación de acontecimiento. Además la propia vitalidad de la serie depende del vigor que tenga la escena, en este caso, los sonidos urbanos del underground londinense (grime, dubstep, funky house, bassline house en un par de meses) y eso apunta a un público numeroso pero especializado. Lo cual no deja de ser un signo de estar dentro de la escena, un guiño.
Pero a la vez, es una idea muy brillante, que llena todo un nicho a nivel comercial. Los dubplates que pinchan en los clubs, no suelen publicarse hasta pasado un tiempo, no todo el mundo compra vinilo, no todo el mundo quiere todo el CD, alguno sólo quiere escuchar en un formato decente esa línea de bajo que no se puede quitar de la cabeza. Y esta serie, con una buena distribución, puede llenar ese espacio de manera admirable. Y también peligrosa. Imaginen si por ejemplo, el dubstep crece hasta convertirse en un género donde se maneje mucho dinero y esta serie se muestra como la forma accesible de entrar, el elemento más visible. ¿Cuál sería el valor que tendría para un artista o una compañía discográfica poder licenciar sus temas y de esta manera hacerse conocidos?
En este blog ya hemos hablado del concepto de “long tail” o “larga cola”. La dicotomía underground/overground se sustenta en una realidad material. Si uno va a unos grandes almacenes, los discos que encontrara no serán todos los que existen publicados, sino aquellos con una distribución más potente o con una mayor proyección mediática. Y será más sencillo buscar una tienda especializada que poder contar con el hecho de poder buscar artistas menos populares en ese momento en las grandes superficies. Este hecho se basa en la ley de la oferta y la demanda. Uno tiene unas estanterías y un almacén con un espacio limitado, y si no le resultan rentables determinados productos, prescinde de ellos para potenciar aquellos que si se venden. Aunque claro, se venden los que se conocen, no es algo tan neutral e inocente.
Lo que sucede cuando entramos en un espacio virtual, es que esa necesidad impuesta por el espacio físico, desaparece y uno puede vender igualmente cualquier mercancía disponible en el mercado. De hecho se reducen las ventas de los productos más importantes y proporcionalmente se reparten por aquellos que se venden menos. Y el problema es el mismo, uno compra aquello que le interesa y que conoce. Si uno ha visitado Amazon, por ejemplo, verá que cuando hace una búsqueda, la página web te recomienda una serie de productos relacionados. Unas veces los conoces y otras comienzas a mirar y seguir recomendaciones para no saber ni donde puedes acabar. Eso es una manera de estimular el consumo del cliente “especializado”. Y aquí es donde entra el concepto de tastemaker.
En un mercado tan amplio, tan desconocido, tenemos que buscar información de algún modo para respaldar nuestras compras y reducir el catastrófico costo económico que nos llevaría comprar cientos de discos a ciegas. Y es algo donde los medios de comunicación tradicionales (radio, televisión, periódicos) fracasan como erm, “aspersores” culturales por la misma razón de antes con los comercios: el espacio físico, temporal del que disponen. Así que debemos buscar una persona (un crítico, un blogger, etc.) o una entidad (una revista, un fanzine, un foro, una página web,…) que nos suministre la información que buscamos, el acceso a ese capital cultural, que goze del criterio, la fiabilidad y el gusto necesario para ayudarnos a discernir o fiarnos ciegamente de sus recomendaciones.
Esto no es ninguna novedad, y el papel de la crítica dentro de la cultura desde hace mucho tiempo cumple ese papel. Lo que sucede es que ahora, esa información es un potencial económico. Esto se puede mostrar de una manera
u otra. Por ejemplo, el año pasado el libro más vendido por navidades en la división de Amazon en Reino Unido fue el calendario erótico de nuestra muy estimada Keeley Hazell.
Las vidas de los personajes discurren también por los clubs donde conocen gente y en esos clubs siempre hay una crew, un mc o un DJ que pincha algún tema para disfute del personal. Y eso, para un artista es una forma de hacerse presente, que te reconozcan por la calle, que compren tu disco, que consigas actuaciones, que causes una impresión y la gente hable de ti. Nada sorprendente que Rinse decida apropiarse de ese canal también. Por cierto, hablando del disco más dubstep que grime.
……
Wiley publica un “The best of Tunnel Vision” con los cortes seleccionados por Logan Sama y que ocupa un doble CD. La serie “Tunnel Vision” es una serie de mixtapes, que Wiley comenzó cuando se vio que no tenía ningún contrato y por tanto ningún dinero con el que vivir, así que en un periodo de menos de un año, ha publicado siete volúmenes, toditos ellos llenos de sus producciones, paranoias y burradas (el tema en el que coge “Pussy Ole” de Dizze Rascal y va parando la canción para contestar personalmente cada una de las líneas de la canción (que se supone habla sobre él). Lo obviamente fascinante de esta serie, es lo abigarrado, todo aquello que es tan descabellado y que jamás incluirías en una presentación “profesional”, todos los puntos donde se trasluce la desesperación, la urgencia y los lugares que uno no suele ver de un artista. Por eso, es curioso el dilema que presenta este recopilatorio. ¿Qué puede ofrecer a aquellos que ya tienen los originales? Y si no tienes los originales ¿qué dice eso de ti?
En 2006, el candidato por el partido conservador a primer ministro del Reino Unido, David Cameron, aireó sus críticas frente a lo que el considera es la glamurosa idealización de la violencia que se hace en determinadas subculturas musicales, por ser concretos, en el hip-hop, y por tanto, el grime, que en último término sólo lleva al aumento de crímenes por arma de fuego y arma blanca. Aunque sus críticas iban referidas a DJ Westwood, todo un veterano con más de dos décadas de trabajo en la programación de la BBC, por sus frases hechas y exhortaciones sacadas de los lugares comunes del hip-hop norteamericano. Y aunque la propia emisora emitió un comunicado donde se defendía al locutor y su integridad, la respuesta más llamativa fue la que publicó Lethal Bizzle en The Guardian, exponiendo sus razones, con mayor o menor propiedad y claridad. En pleno momento culminante del ciclo de noticias, el candidato torie respondió publicando una misiva desde las páginas del Daily Mail, tachando sus razones de vergonzosas.
Lethal Bizzle - Pow! (Forward)
Uploaded by lilmarcus
Sin querer entrar al debate de si el grime refleja las situaciones cotidianas que vive un segmento de la población inglesa de forma habitual, o si estas son glorificaciones que se venden a chavales despistados de clase media-baja y que toman como un posible solución a determinados problemas, aunque uno crea que es bastante de lo primero y algo de lo segundo, pero el asunto no se despacha de forma tan sencilla*, quizás sería más conveniente centrarse en la solución estética seleccionada por el artista para responder y mostrar sus puntos de vista. Tanto David Cameron como Lethal Bizzle usan esta disputa para ayudar a sus intereses. Uno se muestra como un candidato cercano en contacto con la realidad, el otro como figura supragenérica de su estilo musical (y de este modo conseguir más ventas y publicidad).
En una visita guiada a la Mezquita de Córdoba, nos encontramos sorprendidos, al encontrar en medio de esta una catedral, grandiosa en tamaño y ciertamente integrada dentro del edificio, pero empequeñecida e intrusiva en el orden del conjunto. La respuesta fue, que en una sustitución de poder, no se modifican los lugares donde estos están representados simbólicamente para el pueblo, sino los edificios que los representan. De este modo, la primitiva Mezquita estaba asentada sobre una iglesia visigoda, y por tanto, al volver a manos del reino de Castilla, el edificio volvió a “colorearse” de manera acorde a los nuevos viejos usos. Por eso no deja de resultar curioso como la versión de The Clash, ya es un “lugar de poder”, algo que se adopta por tener adquirida una trascendencia y una admisión de no poder estar a la altura al mismo tiempo.
Graciosamente, la publicación de este single (que realmente no es la respuesta al sr. Cameron, que es esta
Lethal Bizzle - Babylon's Burning
Uploaded by Lethal-Bizzle
pero que será interpretada como tal), de esta versión soporífera ha coincidido con la presentación ante el público de la canción que será usada para la campaña del partido conservador: “You Can Get it if You Really Want” de Jimmy Cliff. Otro “lugar de poder”, otra canción habitualmente usada como vehículo para ideas políticas.
…….
*
La idea de la emisora pirata Rinse FM, de iniciar una serie de discos, mezclados o no, de carácter mensual seleccionados por la DJs de la emisora (o no), plantea una serie de cuestiones cuando menos interesantes. La primera es por su viabilidad comercial. Uno ha de imaginar que haciéndose con la serie, en un año tendrá 12 compacts, en dos 24, etc. con el gasto económico que plantea. Esa misma periodicidad se convierte en homogeneizadora. Podrían poner un adhesivo en el que uno pudiera leer: “Este recopilatorio no es especial”. No hay sensación de acontecimiento. Además la propia vitalidad de la serie depende del vigor que tenga la escena, en este caso, los sonidos urbanos del underground londinense (grime, dubstep, funky house, bassline house en un par de meses) y eso apunta a un público numeroso pero especializado. Lo cual no deja de ser un signo de estar dentro de la escena, un guiño.
Pero a la vez, es una idea muy brillante, que llena todo un nicho a nivel comercial. Los dubplates que pinchan en los clubs, no suelen publicarse hasta pasado un tiempo, no todo el mundo compra vinilo, no todo el mundo quiere todo el CD, alguno sólo quiere escuchar en un formato decente esa línea de bajo que no se puede quitar de la cabeza. Y esta serie, con una buena distribución, puede llenar ese espacio de manera admirable. Y también peligrosa. Imaginen si por ejemplo, el dubstep crece hasta convertirse en un género donde se maneje mucho dinero y esta serie se muestra como la forma accesible de entrar, el elemento más visible. ¿Cuál sería el valor que tendría para un artista o una compañía discográfica poder licenciar sus temas y de esta manera hacerse conocidos?
En este blog ya hemos hablado del concepto de “long tail” o “larga cola”. La dicotomía underground/overground se sustenta en una realidad material. Si uno va a unos grandes almacenes, los discos que encontrara no serán todos los que existen publicados, sino aquellos con una distribución más potente o con una mayor proyección mediática. Y será más sencillo buscar una tienda especializada que poder contar con el hecho de poder buscar artistas menos populares en ese momento en las grandes superficies. Este hecho se basa en la ley de la oferta y la demanda. Uno tiene unas estanterías y un almacén con un espacio limitado, y si no le resultan rentables determinados productos, prescinde de ellos para potenciar aquellos que si se venden. Aunque claro, se venden los que se conocen, no es algo tan neutral e inocente.
Lo que sucede cuando entramos en un espacio virtual, es que esa necesidad impuesta por el espacio físico, desaparece y uno puede vender igualmente cualquier mercancía disponible en el mercado. De hecho se reducen las ventas de los productos más importantes y proporcionalmente se reparten por aquellos que se venden menos. Y el problema es el mismo, uno compra aquello que le interesa y que conoce. Si uno ha visitado Amazon, por ejemplo, verá que cuando hace una búsqueda, la página web te recomienda una serie de productos relacionados. Unas veces los conoces y otras comienzas a mirar y seguir recomendaciones para no saber ni donde puedes acabar. Eso es una manera de estimular el consumo del cliente “especializado”. Y aquí es donde entra el concepto de tastemaker.
En un mercado tan amplio, tan desconocido, tenemos que buscar información de algún modo para respaldar nuestras compras y reducir el catastrófico costo económico que nos llevaría comprar cientos de discos a ciegas. Y es algo donde los medios de comunicación tradicionales (radio, televisión, periódicos) fracasan como erm, “aspersores” culturales por la misma razón de antes con los comercios: el espacio físico, temporal del que disponen. Así que debemos buscar una persona (un crítico, un blogger, etc.) o una entidad (una revista, un fanzine, un foro, una página web,…) que nos suministre la información que buscamos, el acceso a ese capital cultural, que goze del criterio, la fiabilidad y el gusto necesario para ayudarnos a discernir o fiarnos ciegamente de sus recomendaciones.
Esto no es ninguna novedad, y el papel de la crítica dentro de la cultura desde hace mucho tiempo cumple ese papel. Lo que sucede es que ahora, esa información es un potencial económico. Esto se puede mostrar de una manera
u otra. Por ejemplo, el año pasado el libro más vendido por navidades en la división de Amazon en Reino Unido fue el calendario erótico de nuestra muy estimada Keeley Hazell.
El segundo CD de la serie, tras el primero donde aparecía el careto del director de la emisora, es la banda sonora de la serie televisiva “Dubplate Drama”. Esta serie es un curioso experimento televisivo donde los espectadores pueden decidir si los personajes ante un conflicto (la trama de cada episodio) decide obrar bien o mal. Y claro, según la participación, la serie avanzará por terrenos inesperados o no. En realidad las tramas son muy bobas y las actuaciones recuerdan a “Al Salir de Clase” o algo por el estilo. Nada trascendente ni demasiado bueno, pero hace pasar el rato y mejor, hay un montón de música en directo.
Las vidas de los personajes discurren también por los clubs donde conocen gente y en esos clubs siempre hay una crew, un mc o un DJ que pincha algún tema para disfute del personal. Y eso, para un artista es una forma de hacerse presente, que te reconozcan por la calle, que compren tu disco, que consigas actuaciones, que causes una impresión y la gente hable de ti. Nada sorprendente que Rinse decida apropiarse de ese canal también. Por cierto, hablando del disco más dubstep que grime.
……
Bueno, ayer al final me decidí y escuché la mixtape de Young Dot que tenía para descargar gratuitamente en su página de MySpace. (Mientras me he decidido a escucharla el tipo ha cambiado de nombre artístico y casi de estilo). Y claro, dije aquello de “Esto es el disco de grime del año”. O quizás dije escuchando esto “Este es el tema de grime del año”. Esa crudeza, el uso de las texturas, la angularidad y la sensación de proyección que tiene uno con el personaje de un videojuego expandiendo la energía, lo torrencial y violento del flow.
Oh, bueno, en realidad dije: ¿A quien está sampleando? ¿Quién es esa voz que canta: “I’m a sinner”?A estas alturas aún no lo he googleado.
……
Oh, bueno, en realidad dije: ¿A quien está sampleando? ¿Quién es esa voz que canta: “I’m a sinner”?A estas alturas aún no lo he googleado.
……
Wiley publica un “The best of Tunnel Vision” con los cortes seleccionados por Logan Sama y que ocupa un doble CD. La serie “Tunnel Vision” es una serie de mixtapes, que Wiley comenzó cuando se vio que no tenía ningún contrato y por tanto ningún dinero con el que vivir, así que en un periodo de menos de un año, ha publicado siete volúmenes, toditos ellos llenos de sus producciones, paranoias y burradas (el tema en el que coge “Pussy Ole” de Dizze Rascal y va parando la canción para contestar personalmente cada una de las líneas de la canción (que se supone habla sobre él). Lo obviamente fascinante de esta serie, es lo abigarrado, todo aquello que es tan descabellado y que jamás incluirías en una presentación “profesional”, todos los puntos donde se trasluce la desesperación, la urgencia y los lugares que uno no suele ver de un artista. Por eso, es curioso el dilema que presenta este recopilatorio. ¿Qué puede ofrecer a aquellos que ya tienen los originales? Y si no tienes los originales ¿qué dice eso de ti?
Porque, claro, el recopilatorio es oro puro y como disco, seguramente no tenga fallas. Es decir, que su valor cultural es más elevado. Y claro, el objetivo de Wiley, no varía de la serie al recopilatorio. Sigue queriendo sacar dinero para poder vivir de la música, pero lo que a uno se le plante como consumidor es un definirse según lo que espera de la música. Porque uno renuncia a la originalidad de la obra (la estructura, el viaje) de cada una de las entregas de la serie, por un disco que funciona mejor para nuestras aspiraciones estéticas.
……
Lethal Bizzle - Police On My Back
Uploaded by seidrik
Este vídeo corresponde al nuevo single de Lethal Bizzle “Police In My Back” versión de la versión que realizaron The Clash en su tiempo con unas intenciones claramente políticas. En esta ocasión, también.
Lethal Bizzle - Police On My Back
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Este vídeo corresponde al nuevo single de Lethal Bizzle “Police In My Back” versión de la versión que realizaron The Clash en su tiempo con unas intenciones claramente políticas. En esta ocasión, también.
En 2006, el candidato por el partido conservador a primer ministro del Reino Unido, David Cameron, aireó sus críticas frente a lo que el considera es la glamurosa idealización de la violencia que se hace en determinadas subculturas musicales, por ser concretos, en el hip-hop, y por tanto, el grime, que en último término sólo lleva al aumento de crímenes por arma de fuego y arma blanca. Aunque sus críticas iban referidas a DJ Westwood, todo un veterano con más de dos décadas de trabajo en la programación de la BBC, por sus frases hechas y exhortaciones sacadas de los lugares comunes del hip-hop norteamericano. Y aunque la propia emisora emitió un comunicado donde se defendía al locutor y su integridad, la respuesta más llamativa fue la que publicó Lethal Bizzle en The Guardian, exponiendo sus razones, con mayor o menor propiedad y claridad. En pleno momento culminante del ciclo de noticias, el candidato torie respondió publicando una misiva desde las páginas del Daily Mail, tachando sus razones de vergonzosas.
Lethal Bizzle - Pow! (Forward)
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Sin querer entrar al debate de si el grime refleja las situaciones cotidianas que vive un segmento de la población inglesa de forma habitual, o si estas son glorificaciones que se venden a chavales despistados de clase media-baja y que toman como un posible solución a determinados problemas, aunque uno crea que es bastante de lo primero y algo de lo segundo, pero el asunto no se despacha de forma tan sencilla*, quizás sería más conveniente centrarse en la solución estética seleccionada por el artista para responder y mostrar sus puntos de vista. Tanto David Cameron como Lethal Bizzle usan esta disputa para ayudar a sus intereses. Uno se muestra como un candidato cercano en contacto con la realidad, el otro como figura supragenérica de su estilo musical (y de este modo conseguir más ventas y publicidad).
En una visita guiada a la Mezquita de Córdoba, nos encontramos sorprendidos, al encontrar en medio de esta una catedral, grandiosa en tamaño y ciertamente integrada dentro del edificio, pero empequeñecida e intrusiva en el orden del conjunto. La respuesta fue, que en una sustitución de poder, no se modifican los lugares donde estos están representados simbólicamente para el pueblo, sino los edificios que los representan. De este modo, la primitiva Mezquita estaba asentada sobre una iglesia visigoda, y por tanto, al volver a manos del reino de Castilla, el edificio volvió a “colorearse” de manera acorde a los nuevos viejos usos. Por eso no deja de resultar curioso como la versión de The Clash, ya es un “lugar de poder”, algo que se adopta por tener adquirida una trascendencia y una admisión de no poder estar a la altura al mismo tiempo.
Graciosamente, la publicación de este single (que realmente no es la respuesta al sr. Cameron, que es esta
Lethal Bizzle - Babylon's Burning
Uploaded by Lethal-Bizzle
pero que será interpretada como tal), de esta versión soporífera ha coincidido con la presentación ante el público de la canción que será usada para la campaña del partido conservador: “You Can Get it if You Really Want” de Jimmy Cliff. Otro “lugar de poder”, otra canción habitualmente usada como vehículo para ideas políticas.
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Prueben a ver esta serie de debates que emitió el canal BET TV. Si el formato no les mata, claro.
sábado, 20 de octubre de 2007
Hace tiempo que tenía que hablar de esto. La actriz Emma Rossum, que comenzó su carrera artística en un coro de opera, está a punto de publicar su primer disco. Los sentimientos que puedo tener por su música están modulados por la impresión de los caminos por los que puede acabar derivando su carrera musical. Si uno escucha el tema equivocado, se le aparece la imagen de Enya. Si escuchas el tema apropiado, tiendes conexiones con Kate Bush. Me gustaría poner nombres de hombre como posibles influencias de su sonido, pero el único que me viene a la cabeza es Tim Buckley de “Starsailor”, por el modus operandi y de forma muy tangencial. De hecho, me cuesta recordar grabaciones en la que la voz se use de esta forma laminar. Quizás Scritti Politti, aunque igualmente con unas intenciones completamente distintas.
Como lo único que circula por ahora es el EP, habrá que esperar para resolver este mar de incertidumbres. En cualquier caso me gusta como en esta canción, el discurso de las letras, esa observación casi omniscente de la realidad, en la que la narradora parece conocer todos los detalles y recovecos de su persona, sus emociones, pensamientos, sociedad y amistades, donde parece posible la solución a los problemas de comunicación y a la situación de uno en la vida, no se muestran en la música como un mero reflejo altisonante, o convirtiendo a esta en el escalón inferior de una jerarquía de valores. De hecho, la forma en la que está construida esta, hace que este discurso parezca emanar de ella, haciendo intercambiables el uno por la otra.
Las nubes que hacen flotar las palabras, compuestas de pistas y pistas de voz que funcionan como un enjambre, a la vez descomponiendo nuestra forma de entender la voz humana como transmisora de nuestro ser y como un reflejo de todas esas personas, esas multiplicidades, que somos, en este caso la misma mujer, la forma en que las líneas melódicas del arreglo y la armonía se transforman en ritmo y al final estos no quieren diferenciar entre profundidad y superficie, textura y palabra, el uso de palabras de forma destacada, que como sonido vuelven a repetirse con la precisión suficiente para que esto se produzca cuando asimilamos el significado de esta, confundiéndonos en nuestra posición frente a la canción, surgiendo ese efecto por el que parece que el tiempo se ralentiza o acelera según su designio, las concatenaciones, el estado emocional a la vez confuso e hipersensible que provoca, los espacios como respiraciones y las respiraciones como tonos.
También resulta curiosa la imagen visual desarrollada en el videoclip. Los espacios inmensos, entre edificios, en las calles/autopistas, toda esa gente que nos muestra la espalda vestida para su trabajo, mientras Emmy corre en un vestido de gala, lo que se pone uno para una ocasión especial, mientras los motivos de luz, color, interioridad, vegetación y acuáticos, van puntuando distintos momentos y se muestran como elementos deseables. Aparte de la bondad o no de la canción, que para uno tiene su punto, aunque le gusten más las intenciones que los resultados, me fascina el hecho de que se adopte este tipo de escritura musical de forma tan visible, para destacarse uno como persona sensible. Al menos por comprobar los resultados económicos que resultaran en vez de convertirse en una diva que escupe sus pulmones en plan “Il Divo”. Algunas de las influencias confesas de la muchacha son Tracy Chapman, David Gray o Annie Lennox.
De hecho, lo que uno no llega a entender es como no ha tenido más comentarios sobre lo poco “natural” que es su música, lo producida que está, lo falsa que es, que no sabe cantar, que todo está hecho con ordenadores o que copia a otras mujeres (toda mujer que empieza hace eso indefectiblemente según esa lógica) y en general a la última que lo hizo con algún éxito, en este caso Imogen Heap*. Es decir, por no adherirse a toda una serie de rasgos que son tomados como universales desde un punto de vista masculino frente a una escritura femenina.
*
Hide and Seek ~ Imogen Heap
Uploaded by Cehcw
Como se puede ver calco absoluto...
Rich boy - lets get this Paper (MorrisVideos.com)
Uploaded by MorrisVideos
También quería hablar sobre el nuevo single de Rich Boy. Ya se que el muchacho podría hacer pasar a 50Cent por un intelectual, y que conseguir pasar de la pura rabia a las lágrimas, son algunas de las emociones más fáciles de transmitir con el hip-hop. Lo único que ha de hacer uno es derrumbarse (aunque hasta para eso uno ha de tener cierto aplomo y hacerlo bien). Pero me gusta la producción de Polow da Don, como consigue mediante los coros, y la acentuación del compás con las congas, la urgencia que muestran y su posición dentro de la mezcla, contrastando con las líneas obsesivas de los sintetizadores, hacer parecer esto un trayecto ético, un viaje hacia el centro de uno mismo para solucionar los problemas y las taras que arrastra uno, y mediante este sacrificio poder enfrentarse uno de nuevo a la vida. De hecho escucho este disco porque tiene una gran cantidad de temas producidos por este tipo y son como una gran carta de presentación para la industria (el disco está publicado en su sello (bajo el paraguas de una multinacional)). Lo que me resulta más fascinante, es esta sensación que obtengo de la música, la forma en que la considero “soulful” y la confronto con las que obtengo de declaraciones como estas:
AllHipHop.com: Now, you call yourself the "King of All White Girls." Elaborate on that for me.
Polow Da Don: Just the “King of the White Girls.” I ain't self proclaimed but I run with it. [Laughs] There was a stage in my life where I went crazy with dating white women. I have nothing against black women, but they’re raised differently. White women are raised to respect and serve their men. Black women are taught to question [their men]. Black women look at submission as being weak. White women look at submission as being a woman. And anyone who has a problem with this statement is ignorant. Just look at the divine order: it goes God, man, woman, child.
Porque suena como un completo imbécil. También interesante lo que puede implicar en esta situación conflictiva que este remix para un tema de Fantasia sea una de mis canciones favoritas del año.
Hace tiempo que tenía que hablar de esto. Taylor Swift publica “Our Song”, tercer single de su primer disco. Como siempre fascina y desarma la capacidad de las letras para mostrar indicios de conductas, la capacidad evocadora de una situación o un objeto y su facilidad para hacer parecer vivos a los personajes que la habitan (aquella historia sobre la gente de su instituto viendose reflejada en determinadas canciones). Esta canción, ni siquiera tiene algunas de las líneas que más se me quedaron en la cabeza. En particular me gustaron estas:
“And if you come around saying’ sorry to me
My daddy’s going to show you how sorry you’ll be”
O en el mismo tema:
“So go and tell your friends
That I’m obsessive and crazy,
That’s fine
I’ll tell mine You’re gay”
Que desde luego, no es la línea más políticamente correcta del mundo, pero que para uno expone de forma acertada la cantidad de estigmas, ideas y prejuicios que tomamos como “naturales” durante la adolescencia. De hecho, la misma actitud irresponsable (tanto de uno como de otro personaje) también refleja de manera explícita muchas situaciones en las que se encuentra uno en esa época de su vida. Además resulta mucho más interesante para hacer pensar que el hecho de que la canción sea una denuncia, un problema o la muestra de un trauma, por el hecho de que lo segundo le hace parecer a uno más inteligente. Y supongo debería hablar sobre la música ¿no?
Obviamente, me debería estar partiendo de risa por el enfoque. Lo que sucede, es que la descripción de matones locales que se creen alguien creando el pánico en determinados clubs, me suena demasiado próxima, concebible y deprimente. Aunque quizás sea un prejuicio mental y mientras ignoro la violencia que ha existido en el seno de otros movimientos musicales, la he soslayado por el hecho de que la música era más próxima a mis gustos, más potente, más directa.
jueves, 18 de octubre de 2007
Este es el nuevo video de Girls Aloud. Casi provoca pasmo el hecho de que aparezca alguien que no sea ellas y que sea hombre. En realidad la presencia del caballero es una presencia fantasmática que mantiene cohesionado la maquinante deseante en la que se desarrollan (casi) todas las canciones de las muchachas: el reino de su líbido. Su consecución, su búsqueda y su ausencia.
Avril Lavigne - Hot [Xvid]
Uploaded by Wonderful-Life
En el nuevo video de Avril Lavigne se produce también otro elemento casi de ruptura. Durante toda su carrera ha sido una presencia constante en sus clips: el uso de la violencia como forma de expresar los sentimientos interiores o los complejos sociales. Su uso como forma de mostrarse auténtico, cierto, vivo. Ok, el espejo recibe un poquito, serán cosas de canciones dedicadas a su esposo (Avril está casada, por si no lo saben).
Y finalmente este es el vídeo de Black Mouth Super Rainbow. Se preguntarán cuales son los rasgos comunes con los anteriores. Seguramente ninguno. Es sólo que ahora mismo no tenga ninguna gana de escribir. Ahora se refiere a estos meses.
miércoles, 17 de octubre de 2007
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